◀ 전달매체로서의 표현기법 확립(1916~1925년)

가. 미국 영화의 전통

David Wark Griffith가 만든 일련의 대작영화와 Mack Sennett 와 Charles Chaplin 이 개척한 미국 희극영화의 전통은 20년대 미국 무성영화의 표현기법을 정립한다.  그리피스는 그가 보통 만든 영화보다 두배나 긴 장편영화 'Judith of Bethulia'(1913)를 완성한 뒤 훨씬 더 큰 계획을 추진하기 위해 바이오그라프 영화사를 떠난다.  그는 상업적인 규제를 벗어나 어느정도로 이태리 장편영화의 영향을 받았는지는 분명하지 않지만 'The Birth of Nations'(1915) 와 'Intolerance'(1916)를 맏르어 종래 영화제작 상의 모든 전례를 깨트리는 미국영화의 스펙타클을 보여준다.

'국가의 탄생(The Birth of Nations)'은 성공했지만 그 내용의 인종적 편견으로 인해 분노를 일으켰다. 그러나 그리피스의 새로운 매체에 대한 타고난 영화언어적 구사능력은 미국영화의 아버지요 영화문법의 시조로 일컬을 만하다. 또한 '불관용(Intolerance)'은 대중적 호소력의 부족과는 관계없이 그리피스 이래 모든 영화적 발달은 그리피스 안에서 그 기원을 찾아야 한다고 주장하는 장 뤽 고다르의 말을 만족시킨다. 전후 레닌은 '불관용/을 소련에서 순회상영하도록 결정하여 10년 동안 계속 상영하였다. 쇼트중심의 영화, 쇼트의 다양화를 통한 영화언어의 확립은 이런 이유로 소련의 몽타쥬론에 영향을 주게 된다.

그리피스가 영상언어에 새로운 돌파구를 모색하고 있을 때 초기의 미국희극영화는 그리피스가 열중했던 기존 에술 형식의 몇가지 기본문제들을 해결하는 데에 공헌한다. 세네트ㅇ는 그리피스가 새롭게 개발한 쇼트들의 다양함을 희극적 목적으로 잘 이용한 대표적인 영화인이었다. 초기 미국희극영화는 프랑스의 기상천외한 환상적 효과와 익살스러운 연기를 보여주는 '트릭영화'에 영향을 받은 영화 이전의 미숙한 단계에 있었다. 채플린의 등장은 프랑스의 린다(Max Linder)를 모방하는 의상과 상투적인 표현을 도용했고 세네트의 키스톤 영화사 시절의 채플린의 영화는 그러한 범주를 벗어나지 못했다. 포터와 그리피스의 액션 멜로드라마의 특색인 추적은 세네트의 슬랩스틱 코메디의 양식을 구조화 시키는 데에 큰 도움을 주었다. 날카로운 사회적 일면을 들어내는 세네트의 희곡은 채플린에 이어져 그 표현이 확대된다.

1915년에는 그리피스,세네트,인스, 세 사람이 'Triangle Film Corporation'를 설립한다. 인스(Tomas ince)는 서부극 장르를 개발하여 그리피스의 멜로드라마와 세네트의 희극물에 견줄만한 인기를 얻어내고 있었다. 인스가 자신의 영화사를 만들기 위해 트라이앵글을 떠나 컬버시에 거대한 촬영소를 지었는데 후에 MGM 촬영소가 된다. 촬영소의 대표이며 제작감독으로 전체 제작프로그램을 최초로 제작, 감독한 사람이 그였다. 인스가 개발한 제작방식은 20년대 허리우드 영화의 표준적인 관례가 되었고 그 영향은 세계 각 영화회사의 제작방식에 영향을 미쳤다.

나. 스칸디나비아의 영화

전쟁 전부터 세계 영화시장에서 성공적인 경쟁활동을 벌여온 스웨덴과 덴마크의 영화산업은 스칸디나비아 영화산업을 이끌어 왔다. 1906년 코펜하겐에 설립된 'Nordisk Films Kompagni'와 더불어 성장한 스웨덴 영화산업은 1919년 'Sven나 Filmindustri' 합병을 통해 성장하였다.

초기 덴마크 영화는 질적인 면에j 당시 미국영화와 견줄만했고 그리피스나 세네트, 인스에 의해서 개발된 영화형식을 독특한 스웨덴의 영화로 변모시켰다. 그것은 후에 독일 무성영화의 전성기로 이어진다. 미국영화가 그랬던 것처럼 덴마크 영화는 실외 촬영을 중요시 했고 산뜻한고 뚜렷한 묘사에 관심이 컸다. 내용상으로는 스칸디나비아의 민속과 문학에 내재한 어둡고 신비스러운 전설을 심리학적 관점에서 다뤘다. 이 점이 덴마크 영화의 전통을 20년대 스웨덴과 독일에 연관시키는 요소가 된다. Benjamin Christensen 감독은 그리피스와 같은 시기에 다양한 쇼트를 사용한 선구적인 작업으로 신비롭고 초자연적인 주제를 다루는 덴마크 대표적 영화 작가이다. 그의 'Wichcraft Through the Ages'(1922)은 도착적인 성의 묘사로 많은 나라에서 상영금지 처분을 받은 현대적인 작품이었다.

그 뒤를 이은 Cart Theodor Dreyer 감독은 초기의 덴마크 영화가 이룬 업적을 세계 영화와 연결시켜 오히려 자국에서 보다 다른 나라에 더 알려진 감독이다. 그리피스의 불관용과 유사한 작품으로 평가되는 'Leaves from Satan's Book'(1920) 는 종교적이며 초자연적인 요소를 강조한다. 영화속의 4부분 줄거리에 각각 다른 모습으로 나타나는 악마는 사람들이 친구와 가족을 배반하도록 유혹한다. 그리피스적인 빠른 커팅과 거대한 클로즈업 그리고 카메라의 움직임을 길게 지속시키는 리얼리즘이 돋보이는 장치를 사용한 세부적인 묘사와 뛰어난 화면구성이 특색이다. 그의 작업은 베를린과 코펜하겐에서 지속되었으며 'The Passion of Joan of Arc '(1928) 'Vampy'(1932), GERTRUD'(1964) 등 몇 편 안되는 작품을 통해서 보여준 영화형식의 발전에 대한 그의 공헌은 지대하다.

한편 드레이어와 같은 시기에 스웨덴의 영화산업에 뛰어든 Victor Sjostrom 과 Mauritz Stiller 감독 그리고 소설가 Selma Lagerlof 는 스웨덴 무성영화의 전성기를 이끈 주요 인물들이다. 종종 전설로부터 소재를 취하는 라게르프의 소설을 영화한 이들의 영화는 스웨덴 시골의 뛰어난 정경, 도덕적 이야기의 불길한 예감과 초자연적인 대상을 그리는 스웨덴 영화의 특질을 형성해 베르힘반의 영화에 까지 영향을 미친다. 스틸러는 영화기술적인 면을 강조한 감독으로 'Sir Arne's Treasure'(1919)과 루비치의 외설코미디에 영향을 준 'Erotikon'(1920) 그리고 독일에서 만든 가르보의 출연으로 유명한 'The Story of Gosta Berling(1924)' 등으로 알려져 허리우드에 초빙된다.

시외스트룀의 'The Phantom Chariot(1920)'는 외적인 것보다 내적인 갈등과 투쟁에 초점을 맞춘 영화로 스웨덴의 확고한 연극과 문학의 전통으로부터 나온 스웨덴 영화를 시사하고 있다. 그 역시 미국에 초빙되어 스칸디나비아 영화 분위기를 보여주는 허리우드 최고 수준의 영화 'The Scarlet Letter'(1920)를 만든다.  종전 후의 스칸디나비아 영화는 쇠토하여 대부분 미국영화가 제공하는 인기스타와 모험, 스펙타클, 코미디를 수용하였다. 일반관객의 취향에 호응하여 잃어버린 관객을 되찾겠다는 스칸디니비아 영화계의 노력은 그들의 특질을 줄여감으로써 자신들의 영화를 매력적으로 만들었던 전통을 버리고 말았다. 그러나 스칸디나비아 영화로부터 많은 것을 배워간 독일은 소수의 진지한 관객들 덕분에 독일 예술영화의 꽃을 피우기 시작한다.

다. 독일의 표현주의 영화.

영화사에서 표현주의의 신조를 가장 순수하고 완벽하게 적용시킨 영화는 Robert Wiene 가 연출한 'The Cabinet of Dr.Caligari'(1919)이다. 오래된 전설과 민요로부터 주제를 빌어온 음울하고 환상적이며 섬뜩한 이 영화는 표현주의적 무대장치로 인해 아방가르드 영화의 선례로 알려졌다.

그것은 베를린에서 시작된 H문 Richter 의 'Rithmus21'(1921)나 Viking Eggeling 의 ''Symphonie Diagonale'(1921)의 절대 예술지상주의 영화에 영향을 미쳐 파리의 전위예술 영화의 중심적 역할을 하게 한 이유이다. 이런 류의 극영화로는 프랑켄쉬타인의 원형인 진흙으로 만든 괴물에게 생명을 불어 넣는 'The Golem'(1920) 과 드라큐라 전설의 원형인 흡혈귀의 이야기 'Nosferatu'(1922)가 대표적인 작품들이다.

그리고 우리는 표현주의적 무대장치와 연관하여 상기해야 할 주요 영화들을 지명할 필요가 있다. 건축학적인 무대장치와 꼼꼼한 의상, 낭만적인 조명과 군중씬 처리 등 무대연출에 있어서 Max Reinhardt 의 이론과 실험을 반영하는 역사적 신화적 영화이다. 이 영화에서 역사는 사실적이기보다 심리학적이며 극적인 차원에서 해석된다. 미국의 대서사극 감독 Cesil B.De Mille 에게 영향을 미친 Ernst Lubitch 의 화려한 스펙타클극 'Passion'(1920)과 덜 대중적이지만 혁신적인 Fritz Lang 의 'Die Nibelungen'(1924)등이 그것이다.

이 밖에 표현주의적 성향과는 크게 관련되어 있지 않으나 영화기교에 있어서 진보적인 <실내극영화(Kammerspiel film)>는 심리적인 차원에서 표현주의와 함께 이야기 될 수 있다.

역시 라인하르트의 연극무대로부터 비롯된 이 형식은 시공간과 행위가 일치된 영화로 하층민의 개인적 심리학적인 내용 등을 포함한다. 대표적 작품으로는 "갈리가리 박사"를 쓴 Carlmyer의 "The Last Laugh"(1924년)로 F.W.Murnau가 연출했다. 이 작품은 호화로운 호텔에서 자부심으로 근무하는 도어맨의 비애를 추적하고 있다. 이런 류의 실내극과 관련된 장르는 <거리영화(Street Film)>로서 부르주아 생활로부터 떨어져 나오는 하층 중산계급에 대한 개별적인 이야기를 다룬다. Karl Grune의 "The Street"(1923년)로 시작되는 거리영화는 G.W.Pabst의 "The Joyless Street"등으로 알려진다.

이상에서 언급한 바와 같이 독일의 표현과 영화들은 당대의 사회적 현실로부터 탈피하여 심리학적인 차원에 더 관심을 기울이고 있다. 그런 까닭에 그들은 카메라 테크닉이나 조명, 무대장치, 연기 그리고 대본 등에서 혁신적인 기법을 창조하게 된 것이다. 이 점은 예술적 완성도를 통해 독일의 이미지를 세계에 과시하고자 하는 독일정부와 일치되어 1917년 거대한 영화사인 Universum Film A.G.가 설립되고 독일의 표현과 영화는 국가적 영화로 성장하게 된다.

라. 소련의 몽타주 영화

소련 공산혁명 이후 레닌은 혁명을 신속하게 알리는 수단으로서 영화를 선택하였다. 새로운 공산정부를 수립하는데는 5년을 기다려야 했지만, 모든 산업의 국유화는 1919년에 가능하였다. 그러한 결과 설립하게 된 영화학교 Moscow Institute of Cinematography는 소련영화를 형성하는 데에 일익을 담당했다.

새로운 소련영화의 형성은 좌익과 우익의 창조적 진영으로 갈라져 있었다. 우익은 오래된 연극적 전통 속에 안주하여 전통적 연극의 상류계급 대신에 인민들과 혁명군으로 대체시킨 인물들을 관습적인 방법과 형식으로 영화화하였다. 반면에 좌익은 내용뿐만 아니라 형식적인 혁신에 있어서 훨씬 급진적이었다.

그 대표적 감독인 Dziga Vertov는 레닌의 충고에 따라 기록영화와 뉴스 릴에 열중하였다. 그는 <Kino Eye Group(1919년)>의 창설과 <Kino-Pravda(1922년)>를 제작하였다. 그 과정 속에서 "미국인 소방수 생활"을 만든  포토의 착상처럼 묵은 필름의 편집작업을 통해 새로운 의미들을 창출할 수 있음을 알게 되었다. 훗날 Sergi Eisenstein의 몽타주로 발전된 맹아적 형태가 재공된  것이다. 에이젠스타인은 일본의 언어와 문화에서, 즉 상형문자와 가부키나 노의 무대에서 몽타주와 복합적인 예술의 본질을 인식하였다. 동시에 Proletkult 극장의 무대디자인으로서의 활동은 19세기 인물중심의 연극에서 탈피하여 사회문제를 제시하는 연극을 알게 하여 그로 하여금 <montage of attraction>을 창조케 한다. 그것은 관객들로 하여금 예정된 정서적 반응의 길을 따라가게 하는 기법이다. 그의 첫영화 "Strike"(1925년)는 노동자를 집단적인 주인공으로 등장케 한 영화로 빠르고 리듬감 있게 편집된 그의 몽타주 기술을 선보였다.

다음 작품 "Potemkin"(1925년)의 오뎃사 계단의 장면에서 창출한, 카메라의 움직임 없이 보여준 영상의 운동성은 <montage of collision>의 진수이다. 이 편집기법은 두 개의 쇼트가 연결(충돌)되어 새로운 의미를 창출하는 것이다. 결국 관객의 지적자극을 추구하는 <intellectual montage>를 개척한 그는 "Ivan the Terrival"(1958년)에 이르기까지 소수의 작품을 남기지만 형식주의자로 비판받고 소련 영화계의 일선에서 축출 당하고 만다. 또 한 부류의 좌익영화 개척자로는 Lev Kuleshov와 V.I.Pudovkin이 있다. 그들은 몽타주 실험교실을 운영해 기술과 연기의 <constructive montage>를 창안한다.

에이젠스타인이나 프도프킨은 두 개의 어떤 필름이라도 함께 놓여지면 불가피하게 그 연결로부터 새로운 개념이 창조된다는 사실에 일치하였다. 프도프킨은 쇼트들의 적당한 순서와 조합에 필요한 리듬을 발견하는 기술 몽타주와, 어떻게 행동의 의미가 연상의 몽타주를 통해 원래의 의미와 다른 것으로 변화할 수 있는가하는 연기 몽타주를 발견한 것이다. 즉 그의 편집기법은 두 개의 쇼트 결합을 통하여 의미를 더욱 축적해가는 구성적 편집이다. 이 기법으로 에이젠스타인의 지적 호소와는 달리 정서 깊숙한 곳으로 침투하여 즉각적인 갈채를 받는 "Mother"(1926년), "Storm over Asia"(1928년)등 완성도 높은 영화를 남긴다.

이들과 같은 서열에 등장하는 Alexander Dovzhenko는 특이한 이민족적인 신비한 요소를 지닌 그만의 몽타주 사용법으로 표현하고 있다. 도브첸코 그는 씬 안에 쇼트들의 관계보다 시퀀스 안에서 씬들의 관계를 강조하였다. 씬들 서로간의 관계는 불분명하고 모호하여 <다층적인 영상(many layered imaginary)>을 추구하는 데에 있어서 종래의 관습을 무시해 버린다. 그의 중요한 세 편의 영화 "Zvenigora"(1928년), "Arsenal"(1929년), "Earth"(1930년)에서 보여주는 극도의 광각적인 롱쇼트들은 단일 프레임 안에서 변화해가는 그림처럼 전개되는 행동과 구성의 복잡함을 전한다. 또한 영원성과 불변의 의식을 전달하는 정지된 쇼트들은 프도프킨처럼 해설적이거나 에이젠스타인처럼 극적이지 않고 시적인 영상을 추구한다. 그는 국가의 도움으로 영화를 만들지만 인간과 자연의 아름다움을 포착하는 휴머니즘에 젖어 있었다. 결국 그의 시각적 서정주의는 <사회주의 리얼리즘> 경향이 강화되었을 즈음에 이르러 도태되고 만다.

이렇게 소련의 영화들은 이전의 어떤 나라의 영화들과는 달리 사회·정치적 목적을 띤 것으로 정부의 검열에 제한당한다. 영화사에 있어서 이러한 구체적 작품들이 갖는 중요성은 굉장하지만 결국 소련 내에서는 받아들이지 않고 오히려 그 주제와 기술은 자본주의 국가들에서만 이루어져 왔다.

마. 프랑스의 예술영화

1920년대의 프랑스의 인상주의 영화예술까들은 필름다르의 연극적 전통이나 다른 나라의 상업적 성공작을 모방하는 프랑스 화제작 추세를 비난하였다. 그 대표적인 인물인 Louis Delluc은 영화의 시각주의를 주장하는 <Photogenie론>을 발표하였고 시네클럽 영화운동 조직을 통해 그의 이론을 실천에 옮겼다.

델뤽의 "Fievre"(1921년) 을 비롯하여 Germaine Dulac의 "La Fete espagnole"(1919년), Marcel L'Herbier의 "Eldorado"(1921년), Jean Epstein의 "The Fall of the House of Usher"(1928년) 그리고 Abel Gance의 polyvision이라 불리는 "Napoleon"등을 만든 인상주의 영화감독 집단들은 카메라와 세트 구성을 주관적으로 사용하는 영화의 시각적 내용의 표현적 사용에 깊이 몰두하였다. 그들의 영화에는 소프트 포커스, 이중인화, 극단적인 카메라 앵글 등이 자주 나타나는 것이 특징이다.

인상주의 영화작가들과 함께 작업하면서 그 이상으로 기술적이며 형식적 실험을 시도한 제2의 아방가르드 그룹의 영화운동이 1925년을 전후해 시작된다. 델뤽과 Ricciottoo Canudo에 의해서 이끌어져온 시네클럽에서 그들은 특별한 프로그램이나 그들이 직접 만든 작품감상회를 통해 추상적이고 초현실적인 영상시를 창조하는 붐을 일으켰다.

Fernand Leger의 "Ballet Mecanique", Antonin Artoud와 뒬락의 "The Seashell and Clergyman"(1928년), Salvador Dali와 Luis Bunuel의 "Un chien Andalou"(1924년)등은 대표적인 작품들이다. 이밖에 델뤽의 인상주의와는 다른 객관적이고 사실주의적인 인상주의의 충동은, 한 도시의 각각 다른 지역에서 다양한 사람들에 의해 동시다발적으로 일어난 행동을 연대기적으로 구성한, 의미보다 형식을 강조한 영화를 등장케 한다. 파리를 그린 Alberto Cavalcanti의 "Rien que les heures"(1926년)와 베를린의 모습을 담은 Walter Ruttmann의 "Berlin : Symphony of a Great City"(1927년), 그리고 암스테르담에 대한 Joris Ivens의 "Rain"(1928년)등은 1920년대말 프랑스의 아방가르드 영화가 종말을 고하지만 1930년대 유럽의 기록영화로 전환하는 데에 기여한다.